EXPO
E-RAW-LUTION
L'évolution de la matière
8 JUILLET - 30 AOÛT 2023
La galerie STAY TUNED et Château Saint-Maur Cru Classé s’allient pour l’été 2023 afin de vous présenter E-RAW-LUTION, une exposition hors des sentiers battus mettant en scène quatre artistes femmes établies, et émergentes, chacune explorant l’importance de la matière au sein de leur création.
L’exposition se déploie sur les trois niveaux du Château Saint-Maur pour une entrée en “matière” dans lequel, les artistes prendront possession des lieux du 8 juillet au 30 août 2023, et présenteront une trentaine d’œuvres s’articulant autour de différentes matières. E-RAW-LUTION présentera des œuvres des artistes Adeline HALOT, Tiffany BOUELLE, Athéna SADOUN & Zoé Vayssières misent en relation entre elles dans un espace dialoguant entre l’architecture du lieu et la nature, et jouant avec la gravité, le poids et l’équilibre en accumulant des matières variées et des formes irrégulièrement disposées.
Entrée libre de 9h30 à 19h30 – 7/7j.
Adeline Halot, jeune créatrice belge est au cœur de cette recherche en sublimant la matière et le textile. Cette jeune artiste est à l’initiative du développement d’œuvres textiles à base de fils de métal qui est sa matière de prédilection. À travers ces créations, se mêlent un jeu subtil de transparence et d’opacité laissant transparaître la lumière qui est ancrée dans son travail.
“Sans lumière, il n’y a pas matière.”
Adeline a mis au point ses propres procédés de fabrication, adaptés aux métiers traditionnels.
À la fois innovante, et contemporaine, l’identité marquée au sein de son travail décèle un dynamisme, un besoin pour l’artiste, et une volonté de retourner à cette matière première, qui est le fil au travers d’une exécution manuelle et artisanale. En jouant avec la tension du fil, et son épaisseur, Adeline crée des effets de matière se démarquant des armures classiques du tissage.
En un mot, Adeline est une créatrice d’espace et de volume ou ses œuvres structurent, et délimitent un espace à travers cette lumière qui va sublimer la matière.
Ces pièces sculpturales, exécutées à la main, expriment une volonté de traduire les éléments naturels – minéraux et végétaux – par le tissage. Ces créations vivent dans une architecture qui capte la lumière et exprime un rapport contemplatif au temps. La combinaison de fibres naturelles et de métal donne un résultat dynamique. Grâce à l’utilisation de différents fils, les tissages sont façonnés et les faisceaux lumineux qui les traversent leur confèrent un caractère cinétique.
Adeline Halot apporte une nouvelle dimension à la pratique du tissage. Ses créations détaillées sont le résultat d’une expression instinctive qui définisse la matière à la frontière entre l’art et le design.
ADELINE HALOT
TIFFANY BOUELLE
Artiste pluridisciplinaire franco-japonaise, Tiffany Bouelle réalise des œuvres aux formes abstraites et à la palette colorée. Intimes et engagées, elles racontent des moments de vie partagés, des histoires de femmes, des mots et des idées que l’artiste récolte au gré de ses rencontres.
Au coeur de son processus, il y a d’abord l’écriture, gardienne des mots et des pensées, puis le dessin qui épuise le sujet pour le réduire à l’essentiel et enfin le trait, simple, pur, calligraphié à l’acrylique ou à l’aquarelle japonaise.
Sa pratique, méticuleuse et chorégraphiée, s’apparente à une reconquête du corps et de l’esprit, une certaine recherche d’harmonie.
En esprit libre, Tiffany Bouelle refuse de se cantonner à un support et n’a de cesse de développer sa pratique et sa technique qu’elle applique aussi bien à l’univers de la mode qu’à celui des arts décoratifs. S’exprimant au travers de différents médiums à la fois avec la peinture, l’aquarelle, mais aussi le textile et la sculpture, l’artiste nous permet de se plonger au coeur de son processus créatif.
Les œuvres de Tiffany mêlent à la fois des souvenirs d’enfance hérités de ces racines japonaises, de la nature et des femmes. En effet, le corps et l’âme sont les deux sujets principaux de la pratique de l’artiste, dialoguant entre le rapport que les femmes entretiennent avec leurs corps à différents moments de leurs vies.
Fascinée par la découverte de ces sujets, Tiffany Bouelle expérimente les liens invisibles qui s’articulent autour de notre existence et de l’histoire de ces femmes à travers l’abstraction de ses œuvres. L’évolution artistique de l’artiste est marquée par cette prise de conscience des femmes au sein de notre société et comment elles se perçoivent. Pour Tiffany, il est primordial d’exprimer ces points à travers son travail, en jouant avec les frontières que l’art pourrait lui imposer.
Zoé Vayssières est une artiste française, diplômée de l’ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs). À ses débuts, elle fut directrice artistique, principalement dans le domaine culturel. Depuis 2013, vivant entre Paris et Shanghai, elle réalise des sculptures traitant de la mémoire et du temps qui passe. Elle a récemment reçu des commandes monumentales en Chine, notamment une sculpture publique pour le Jing’an International Sculpture Park (Shanghai).
« Le photographe photographie, moi j’objectographie. Je moule, recadre et rends intemporel par le bronze. Le choix du bronze est évident, il traverse les siècles, c’est une matière qui fait œuvre de mémoire. J’utilise également le cuivre, matériau hautement conducteur, pour transmettre les oublis et oubliés. J’associe objets du quotidien et textes gravés pour interroger les mutations et les distorsions qu’opèrent la mémoire.”
L’artiste recueille des objets témoins du passage du temps, fragiles ou en voie de disparition. Son travail actuel se concentre sur les plis, qu’elle transforme en bronze ou en cuivre.
Formée en art et typographie, elle s’intéresse aux mots, citations et noms oubliés, qu’elle grave sur ses sculptures. Cette association textes et objets questionne notre mémoire collective : son tri et ses déformations.
ZOÉ VAYSSIÈRES
ATHÉNA SADOUN
À travers la peinture et la photographie, Athéna Sadoun exprime ses émotions et sa vision du monde qui l’entoure. Benjamine de l’exposition, sa jeunesse et son insouciance l’amène à se questionner sans cesse sur sa perception et sa compréhension de “l’art” en tant que tel.
Son procédé artistique allie différentes méthodes qui lui tiennent à cœur et dont la matière est au centre de cette recherche. Par ses origines indiennes, marocaines, anglaises et françaises, Athéna a naturellement eu cette curiosité et cette férocité d’exprimer ce qu’elle ressent.
Désireuse d’explorer ses émotions, elle cherche à communiquer des messages par l’intermédiaire de son art et souhaite sensibiliser son public au sujet du “moi” qui est au cœur de son travail.
Partant de ces interrogations en tant qu’artiste sur le traitement des autres liés à la discrimination et aux préjugés raciaux, elle s’est intéressée à comprendre comment interpréter la manière dont les personnes “différentes” sont perçues par la société, ainsi que les mécanismes d’adaptation qu’elles développent pour gérer leur vision différente du monde et le regard des autres.
En effet, la manière dont une même situation peut être interprétée et gérée par différentes personnes est fascinante. Le thème abordé par Athéna dans son travail décèle des troubles de l’identité, lui permettant d’exprimer les différentes facettes de la personnalité des personnes confrontées aux défis de la maladie mentale. Elle souhaite s’interroger sur comment les personnes souffrant de maladie mentale occultent les événements traumatiques de leur vie, et comment elles peuvent être emprisonnées dans leur propre monde “mental”.
